Jaime Fernandes
Portugal, 1900-1969
Diagnosticado con esquizofrenia en 1938 fue internado durante más de tres décadas en el Hospital Miguel Bombarda (Lisboa), donde murió en 1969. Jaime Fernandes comenzó a dibujar inesperadamente a los 66 años, cuatro años antes de su muerte, de acuerdo con los testimonios y referencias a los dibujos en los registros clínicos del hospital y en las cartas que escribía a la mujer. La totalidad de su obra conocida está compuesta por dibujos, sin fecha, sobre todo realizados com boligrafos de colores sobre diversos tipos de papel, donde un reducido formulario de figuras, sobre todo animales imaginarios, figuras humanas o antropomórficas surge y resurge en numerosas variaciones, siempre diseñados en una densa trama de líneas.
Anna Zemánková
República Checa, 1908 – 1986
Desde temprano mostró un aprecio especial por el dibujo, todavía, por imposición familiar, siguió la carrera de técnica dental. En 1933, se casó con un alto funcionário y pasó a dedicarse exclusivamente a la casa y a los tres hijos. La família se mudó a Praga al final de la Segunda Guerra Mundial y, en 1950, Ana sufrió una gran depresión agravada por la posterior amputación de ambas piernas. Zemánková comenzó la práctica diaria de dibujo cuando tenía más de cincuenta años: manifestaciones espontáneas de inspiración botánica que, segun ella misma, son inspiradas por fuerzas magnéticas que presente, entre las 4 y las 7 de la madrugada, totalmente imprevisibles en el resultado final. Estas creaciones, de detalles sorpreendentes, con un ritmo característico entre espirales, arabescos y formas geométricas, hacen de Zemánková una figura destada en el panorama del arte bruto.
Aloïse Corbaz
Suíza, 1886 – 1964
La técnica artística de Aloïse Corbaz está intimamente ligada a su enfermedad – esquizofrenia – y a su internamiento en un ala psiquiátrica durante cuarenta y seis años. Utilizaba materiales que encontraba en latas de basura. Estos materiales eran alisados y, todos juntos, remendados, usando algodón blanco e hilo rojo. Las hoja de papel cosidas juntas le permitieron crear dibujos muy grandes, que Corbaz mantuvo en rollos. El mundo que creo está poblado por figuras humanas, animales, flores y frutos en actuaciones teatrales: algunos de los temas imitam gestos y poses inspiradas en revistas ilustradas o adoptan los atributos y posturas retiradas de los actores del teatro ritual o de la ópera. Teatro, ópera y parejas amorosas decoran esta cosmogonía, que desarrolló formas eróticas poderosas.
Biografía adaptada de “AWARE: Archives of Women Artists” de Chaterine Gonnard
Henry Darger
EUA, 1892-1973
Henry Darger vivió en un orfanato y más tarde fue admitido en un hogar para niños con problemas psíquicos. Trabajó como portero y fontanero en un hospital católico, donde permaneció hasta la jubilación. En 1963, Kiyoko y Nathan Lerner, sus caseros, descubrieron la autobiografía del artista que contenía más de dos mil páginas, así como su obra de ficción inspirada en las narrativas de la Guerra Civil Americana y otros grandes textos de batalla y aventura, In the Realms of the Unreal. Darger incorporó eventos y personajes de su propria vida en sus ficciones. El trabajo fue acompañado de vários cientos de ilustraciones en gran escala. Darger usó papel de calca, acuarelas y carboncillo para realizar sus dibujos. Consistían en imágenes de la cultura popular, reproducciones de escenas de batalla e ilustraciones.
Guo Fengyi
China, 1942-2010
Nacida en 1942 en Xi’an comenzo a hacer arte al final de sus cuarenta años, después de una artritis que le debilitó y le forzó a la jubilación de un empleo en una fábrica de fertilizantes químicos. Para aliviar su dolor crónico, se dedicó al qigong – una antigua técnica china de bien estar y de recuperación que combina movimientos coordinados, respiración y meditación. Produciendo un estupendo repertorio de trabajo en sus últimas dos décadas de su vida, Fengyi creó más de 500 dibujos complejos en tinta, sobre temas que van desde la cosmología y mitología china, hasta la medicina y filosofía tradicional chinas. Muchos de los primeros dibujos de Guo Fengyi – incluyendo el Diagrama del Sistema Nervioso Humano y el Diagrama del Meridiano del Hígado – recorren cuidadosamente los sistemas anatómicos que la artista intuye, en vez de verlos realmente.
Albino Braz
Brasil, 1893-1950
La trayectoria que anterior al internamiento de Albino Braz en el hospital psiquiátrico de Juquéri, en São Paulo, especializado en el tratamiento de esquizofrenia, es poco conocido, se sabe solo que Braz tendría origenes italianos. El contacto con el dibujo ocurrió después de su hospitalización.
Su obra está constituída, mayormente, por dibujos realizados en carboncillo o lápiz de color sobre papel donde prevalecen escenarios en los cuales conviven figuras masculinas y femeninas con animales reconocibles o imaginarios. Las composiciones presentan una particularidad: el personaje principal, normalmente destacado por su posicionamento o por tamaño que ocupa en el papel, manifiesta una soberanía frente a outros personajes representados.
Ana Carrondo
Portugal, 1967
Ana Carrondo, alrededor de los diecisiete años, comenzó a mostrar señales de inestabilidad, razón por la cual fue internada en un hospital psiquiátrico. Asistió al taller de terapia ocupacional en el Instituto Condessa de Rilvas, en Lisboa. Participó en diversas exposiciones con sus azulejos, que integran colecciones privadas y museológicas.
Friedrich Schröder-Sonnenstern
Lituânia, 1892 – Alemanha, 1982
Nacido en Prusia en 1892, Schröder-Sonnenstern vivió una infancia difícil y todo lo que se sabe sobre su vida adulta está marcado por la especulación. Consta que vivió bajo el pseudónimo de Dr. Eliot Gnass von Sonnenstern, un médico ontentoso y charlatán que engañó a varios pacientes ricos y después lo compartió con los más desfavorecidos. Los dibujos enigmáticos y altamente eróticos de Schröder-Sonnenstern fueron reconocidos por el grupo Surrealista francés que incluyeron el trabajo de Sonnenstern en sus exposiciones. Sus imágenes fantásticas con mujeres voluptuosas y acompañantes masculinos carnosos están marcadas por un lirismo paradogico que parece estar muchas veces en desacuerdo con su búsqueda francamente lasciva. Repleto de demónios, esqueletos y otras figuras ultrajantes, el trabajo de Schröder-Sonnenstern ostenta la estampa de la paradoja social.
Gabriel Bien-Aimé
Haiti, 1951
Ex-alumno del escultor Janvier Louis-Juste, es conocido por ser uno de los mejores escultores en metal cortado. Mezclando temáticas vudús y cristianas, su trabajo se distingue por el relieve escultural a través de técnicas como el doblado del hierro y el adicionado de piezas metálicas. Participó en la famosa exposición “Les Magiciens de la terre” y expuso en el extranjero, en el Musée National d’art Moderne de Paris, el Milwaukee Art Museum, en el Grand Palais, Abbaye de Daoulas, en la Halle Saint-Pierre, en el Fowler Museum, en el Musée du Montparnasse y en el Queens Museum of Art. Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes del Centre Pompidou, del Musée du Quai Branly, del Musée National d’art Moderne de Paris, del Waterloo Museum, del Figge Art Museum, del Le Centre d’Art y del Musée d’Art Haïtien du Collège Saint-Pierre. Le Centre d’Art, Haiti
Giovanni Battista Podestà
Italia, 1895 – 1976
Las circunstancias sociales y políticas de la primera mitad del siglo XX marcaron profundamente la vida y la obra de Giovanni Battista Podestà en la medida en que gran parte de ses trabajos reflejan las incertezas, las inseguridades y los cambios que definieron ese período. En una primera fase, Giovanni Podestà se dedicó a la pintura al óleo, representando, sobre todo, motivos religiosos y paisajes. Más tarde, comenzó a crear esculturas en bajo y alto relieve con recurso a varios materiales recuperados como fragmentos de espejos, papel o metal. El trabajo de Podestà está marcado por la simbología religiosa y popular y puede ser entendido como un manifiesto contra la pérdida de algunos valores espirituales en detrimento de valores materialistas que comenzaron a surgir asociados a la sociedad de consumo creciente.
Giovanni Bosco
Italia, 1948–2009
En su pequeño cuarto Giovanni Bosco pasó horas pintando un universo gráfico de singular poder en trozos de cartón, compuesto por partes del cuerpo humano, tales como el corazón, un brazo, una pierna, los pulmones, a veces acompañados de estructura ósea y muscular. Son a veces acompañados de inscripciones en las cuales el autor menciona, entre otras cosas, su identidad, su año de nacimiento, el de su padre, así como nombres de ciudades italianas o aldeas sicilianas. Pintaba las paredes de su cuarto y las figuras que emergen de su pincel adquieren entonce dimensiones superiores, llegando a veces a alcanzar la escala humana. Giovanni Bosco marcó su paso por las calles de Castelmezzano del Golfo, donde vivía, con pinturas al óleo en las paredes de la vila, apropriandose así del espacio público y huyendo de las privaciones y condiciones en que vivía.
Daniel Gonçalves
Portugal, 1977
Daniel Gonçalves es un diseñador y pintor autodidacta, nacido en Porto en 1977, con una profunda auténtica vena artística. Esta cualidad suya, aliada a uma personalidad hiperactiva, le llevó desde muy joven a entender el mundo y a relacionarse con este a través de la expresión plástica, habiendo participado en la última década en múltiples exposiciones colectivas realizadas en la región de Porto. En su carrera llena de experiencias que hizo, buscando una huella persoal, independientemente de la multiplicidad de estilos, siempre reveló una atención particular por los juegos de formas y de colores.
Janko Domsic
Croacia, 1915-1983
Poco se sabe sobre la vida de Janko Domsic o de las circunstancias de su llegada a Francia. Pasó algún tiempo en prisión y, en 1935, trabajó en la construcción de una línea ferroviaria. En París, donde vivía en condiciones precarias, Domsic dibujaba y escribía con lápiz de color, boligrafos y rotuladores. Sus dibujos contienen numerosos textos en francés y algunos en croata y alemán. Con excepción de algumas referencias a su vida personal, a canciones nazis y a textos religiosos, su vocabulário se refiere, esencialmente, a ideas místicas, al código moral de los masones y a cuestiones económicas. Sus figuras, prolongadas hasta el límite en líneas que se unen y forman laberintos, están ornamentadas con pentagramas y esbásticas.
Marilena Pelosi
Brasil, 1957
Marilena Pelosi nació en 1957 en Rio de Janeiro, Brasil. Comenzó a dibujar con dieciseis años después de una enfermedad grave. Pelosi era hija única y los padres eran católicos antes de convertirse a un culto vudú. A los veinte años, salió de Brasil para viajar hasta Europa e India, habiéndose establecido en Francia. Personajes esperpenticos, cuerpos mutilados y penetrados, transportadores sin fin y ejércitos de abejas con cabezas humanas son sus temas más frecuentes. Marilena siente que su trabajo se asemeja a la creación de espíritus, tanto por su misticismo como por la imprebisibilidad: reivindica que nunca planea una creación anticipadamente – son sus manos que la guian. Para Pelosi el placer de revelar una escena a través de su imaginación constituye el sentido de la vida.
Miroslav Tichý
República Checa, 1926 – 2011
El trabajo de Miroslav Tichý, que fue descubierto en 1989 por su vecino, el director Roman Buxhaum, revela el talento de una figura que rechazó firmemente los valores sociales, políticos y personales del período comunista desde su início en 1948 hasta su fin, al final de la década de 1980. Tichý se inició en la fotografía a mediados de la década de 1950, reinventándola y construyendo sus proprias máquinas y ampliadoras a partir de cajas de zapatos, latas, vidrio reciclado y otros materiales desechados. Sus imágenes captadas con máquinas producidas manualmente y con ópticas improvisadas, ofrece una visión extraordinaria de una realidad erotizada, simultaneamente real y onírica. El trabajo de Tichý fue primero mostrado en la Bienal de Sevilla en 2004 y, más tarde, en 2008, en una exposición individual en el Centre Pompidou, en París.