Jaime Fernandes
Portugal, 1900-1969
Diagnostiqué schizophrène en 1938, il a été hospitalisé pendant plus de trois décennies à l’hôpital Miguel Bombarda (Lisbonne), où il est mort en 1969. Jaime Fernandes a commencé à dessiner de façon inattendue à l’âge de 66 ans, quatre ans avant sa mort, selon les témoignages et les références faites aux dessins dans les dossiers cliniques des hôpitaux et dans les lettres qu’il a écrites à sa femme. La totalité de son œuvre connue est composée de dessins, non datés, réalisés principalement avec des stylos à bille de couleur sur différents types de papier, où une forme réduite de figures, principalement des animaux imaginaires, des figures humaines ou anthropomorphes apparaissent et réapparaissent dans d’innombrables variations, toujours dessinées dans une dense trame de lignes.
Anna Zemánková
République tchèque, 1908-1986
Dès son plus jeune âge, elle a montré un goût particulier pour le dessin, mais sa famille l’a forcée à suivre une carrière de prothésiste dentaire. En 1933, elle épouse un haut fonctionnaire et se consacre exclusivement à sa maison et à ses trois enfants. La famille déménage à Prague à la fin de la Seconde Guerre mondiale et, en 1950, Ana souffre d’une grave dépression, aggravée par l’amputation de ses deux jambes. Zemánková a commencé la pratique quotidienne du dessin à plus de cinquante ans : des manifestations spontanées d’inspiration végétale qui, selon elle, sont inspirées par des forces magnétiques qu’elle sent, entre 4 et 7 heures du matin, totalement imprévisibles dans le résultat final. Ces créations, d’un détail surprenant, avec leur rythme caractéristique entre spirales, arabesques et formes géométriques, font de Zemánková une figure exceptionnelle dans le panorama de l’art brut.
Aloïse Corbaz
Suisse, 1886-1964
La technique artistique d’Aloïse Corbaz est étroitement liée à sa maladie – la schizophrénie – et à son internement dans un service psychiatrique pendant quarante-six ans. Elle utilisait des matériaux qu’elle trouvait dans des poubelles. Ces matériaux étaient aplatis, lissés et, tous ensemble, rapiécés, en utilisant du coton blanc et du fil rouge. Les feuilles de papier cousues ensemble lui permettaient de créer de très grands dessins, que Corbaz conservait sur des rouleaux. Le monde qu’elle a créé est peuplé de figures humaines, d’animaux, de fleurs et de fruits dans une mise en scène théâtrale : certains de ses sujets imitent des gestes et des poses inspirés de magazines illustrés ou adoptent les attributs et les postures des acteurs du théâtre rituel ou de l’opéra. Le théâtre, l’opéra et les couples amoureux ornent cette cosmogonie, qui s´est développée dans des formes érotiques puissantes.
Biographie adaptée de « AWARE : Archives of Women Artists » par Chaterine Gonnard.
Henry Darger
ÉTATS-UNIS, 1892-1973
Henry Darger a vécu dans un orphelinat et a ensuite été admis dans un asile pour enfants handicapés mentaux. Il a travaillé comme portier et plombier dans un hôpital catholique, où il est resté jusqu’à sa retraite. En 1963, Kiyoko et Nathan Lerner, ses propriétaires, découvrent l’autobiographie de l’artiste qui compte plus de deux mille pages, ainsi que son œuvre de fiction inspirée des récits de la guerre de Sécession et d’autres grands textes de batailles et d’aventures, In the Realms of the Unreal. Darger a incorporé des événements et des personnages de sa propre vie dans ses fictions. L’ouvrage était accompagné de plusieurs centaines d’illustrations à grande échelle. Darger utilisait du papier calque, des aquarelles et du graphite pour exécuter ses dessins. Ils se composaient d’images issues de la culture populaire, de reproductions de scènes de bataille et d’illustrations.
Guo Fengyi
Chine, 1942-2010
Née en 1942 à Xi’an, elle a commencé à faire de l’art à la fin de ses quarante ans, après qu’une arthrite débilitante l’ait obligée à prendre une retraite anticipée après avoir travaillé dans une usine d’engrais chimiques. Pour soulager ses douleurs chroniques, elle s’est consacrée au qi gong – une ancienne technique chinoise de bien-être et de récupération qui combine mouvements coordonnés, respiration et méditation. Produisant un étonnant répertoire d’œuvres au cours des deux dernières décennies de sa vie, Fengyi a créé plus de 500 dessins complexes à l’encre, sur des sujets allant de la cosmologie et la mythologie chinoises à la médecine et à la philosophie traditionnelles chinoises. Un grand nombre des premiers dessins de Guo Fengyi – notamment le Diagramme du système nerveux humain et le Diagramme du méridien du foie – cartographient soigneusement les systèmes anatomiques que l’artiste a devinés plutôt que vus réellement.
Albino Braz
Brésil, 1893-1950
On sait peu de choses sur le parcours qui a précédé l’admission d’Albino Braz à l’hôpital psychiatrique Juquéri de São Paulo, spécialisé dans le traitement de la schizophrénie. Son contact avec le dessin a eu lieu après son hospitalisation.
Son œuvre est constituée principalement de dessins exécutés au graphite ou au crayon de couleur sur papier où prévalent des scénarios dans lesquels des figures masculines et féminines coexistent avec des animaux identifiables ou imaginaires. Les compositions ont une caractéristique particulière : le personnage principal, qui se distingue normalement par sa position ou la taille qu’il occupe sur le papier, manifeste une souveraineté par rapport au(x) autre(s) personnage(s) représenté(s).
Ana Carrondo
Portugal, 1967
Ana Carrondo, alors âgée d’environ dix-sept ans, commence à montrer des signes d’instabilité, raison pour laquelle elle est admise dans un hôpital psychiatrique. Elle a suivi l’atelier d’ergothérapie de l’institut Condessa de Rilvas, à Lisbonne. Elle a participé à plusieurs expositions avec ses céramiques, qui font partie de collections privées et de musées.
Friedrich Schröder-Sonnenstern
Lituanie, 1892 – Allemagne, 1982
Né en Prusse en 1892, Schröder-Sonnenstern a eu une enfance difficile et tout ce que l’on sait de sa vie adulte repose sur des spéculations. On dit qu’il vivait sous le pseudonyme du Dr Eliot Gnass von Sonnenstern, un médecin ostensiblement charlatan qui escroquait un certain nombre de patients fortunés et partageait son butin avec des défavorisés. Les dessins énigmatiques et hautement érotiques de Schröder-Sonnenstern ont été reconnus par le groupe surréaliste français qui a inclus les œuvres de Sonnenstern dans ses expositions. Ses images fantastiques, mettant en scène des femmes voluptueuses et des partenaires masculins charnus, sont marquées par un lyrisme paradoxal qui semble souvent en contradiction avec ses recherches franchement lascives. Remplie de démons, de squelettes et d’autres figures scandaleuses, l’œuvre de Schröder-Sonnenstern porte la marque de la parodie sociale.
Gabriel Bien-Aimé
Haïti, 1951
Ancien élève du sculpteur Janvier Louis-Juste, il est connu pour être l’un des meilleurs sculpteurs de métal découpé. Mélangeant les thèmes vaudous et chrétiens, son travail se distingue par un relief sculptural grâce à des techniques comme le pliage du fer et l’ajout de pièces métalliques. Il a participé à la célèbre exposition « Les Magiciens de la terre » et a exposé à l’échelle internationale, notamment au Musée National d’Art Moderne de Paris, au Milwaukee Art Museum, au Grand Palais, à l’Abbaye de Daoulas, à la Halle Saint-Pierre, au Fowler Museum, au Musée du Montparnasse et au Queens Museum of Art. Ses œuvres font partie des collections permanentes du Centre Pompidou, du Musée du Quai Branly, du Musée National d’Art Moderne de Paris, du Waterloo Museum, du Figge Art Museum, du Centre d’art et du Musée d’art haïtien du Collège Saint-Pierre. Le Centre d’Art, Haïti
Giovanni Battista Podestà
Italie, 1895-1976
Les circonstances sociales et politiques de la première moitié du 20e siècle ont profondément marqué la vie et l’œuvre de Giovanni Battista Podestà dans la mesure où une grande partie de ses œuvres reflète les incertitudes, les insécurités et les changements qui ont défini cette période. Dans une première phase, Giovanni Podestà s’est consacré à la peinture à l’huile, représentant principalement des motifs religieux et des paysages. Plus tard, il a commencé à créer des sculptures en bas et haut-relief en utilisant divers matériaux de récupération tels que des fragments de miroirs, de papier ou de métal. L’œuvre de Podestà est marquée par un symbolisme religieux et populaire et peut être comprise comme un manifeste contre la perte de certaines valeurs spirituelles au profit de valeurs matérialistes qui ont commencé à émerger en association avec la société de consommation croissante.
Giovanni Bosco
Italie, 1948-2009
Dans sa chambre exiguë, Giovanni Bosco passe des heures à peindre un univers graphique d’une rare puissance sur des morceaux de carton, composé de parties du corps humain, comme le cœur, un bras, une jambe, les poumons, parfois accompagnés de la structure osseuse et musculaire. Ils sont parfois accompagnés d’inscriptions dans lesquelles l’auteur mentionne, entre autres, son identité, son année de naissance, celle de son père, ainsi que des noms de villes italiennes ou de villages siciliens. Il peint les murs de sa chambre et les figures qui émergent de son pinceau prennent alors de plus grandes dimensions, atteignant parfois l’échelle humaine. Giovanni Bosco marquait son passage dans les rues de Castelmezzano del Golfo, où il vivait, par des peintures à l’huile sur les murs du village, s’appropriant ainsi l’espace public et échappant aux privations et aux conditions dans lesquelles il vivait.
Daniel Gonçalves
Portugal, 1977
Daniel Gonçalves est un dessinateur et peintre autodidacte, né à Porto en 1977, ayant une veine artistique profonde et authentique. Cette qualité, associée à une personnalité hyperactive, l’a amené dès son plus jeune âge à comprendre le monde et à s’y lier par l’expression plastique, ayant participé au cours de la dernière décennie à de multiples expositions collectives organisées dans la région du Grand Porto. Dans un parcours rempli d´expérimentations, à la recherche d´une marque personnelle, indépendamment de la multiplicité des styles, il a toujours révélé une attention particulière pour les jeux de formes et de couleurs.
Janko Domsic
Croatie, 1915-1983
On sait peu de choses sur la vie de Janko Domsic et sur les circonstances de son arrivée en France. Il a passé quelque temps en prison et, en 1935, il a travaillé à la construction d’une ligne de chemin de fer. À Paris, où il vit dans des conditions précaires, Domsic dessine et écrit avec des crayons de couleur, des stylos à bille et des marqueurs. Ses dessins contiennent de nombreux textes en français et certains en croate et en allemand. À l’exception de quelques références à sa vie personnelle, à des chants nazis et à des textes religieux, son vocabulaire se réfère essentiellement à des idées mystiques, au code moral des francs-maçons et à des questions économiques. Ses figures, étendues à l’extrême dans des lignes qui se rejoignent et forment des labyrinthes, sont ornées de pentagrammes, de croix gammées et de traits d’union.
Marilena Pelosi
Brésil, 1957
Marilena Pelosi est née en 1957 à Rio de Janeiro, au Brésil. Elle a commencé à dessiner à l’âge de seize ans après avoir contracté une grave maladie. Pelosi était fille unique et ses parents étaient catholiques avant de se convertir à un culte vaudou. À vingt ans, elle quitte le Brésil pour voyager en Europe et en Inde et s’installe en France. Personnages cataleptiques, corps mutilés et pénétrés, transports sans fin et armées d’abeilles à tête humaine sont ses sujets les plus fréquents. Marilena estime que son travail ressemble aux créations des spirites, tant par son mysticisme que par son imprévisibilité : elle affirme ne jamais planifier une création à l’avance – ce sont ses mains qui la guident. Pour Pelosi, le plaisir de révéler une scène par son imagination constitue le sens de la vie.
Miroslav Tichý
République tchèque, 1926-2011
L’œuvre de Miroslav Tichý, découverte en 1989 par son voisin, le réalisateur Roman Buxhaum, révèle le talent distinctif d’un personnage qui a fermement rejeté les valeurs sociales, politiques et personnelles de la période communiste, de son début en 1948 à son terme, à la fin des années 1980. Tichý s’est mis à la photographie au milieu des années 1950, la réinventant et construisant ses propres appareils et agrandisseurs à partir de boîtes à chaussures, de boîtes de conserve, de verre recyclé et autres déchets. Ses images capturées avec des appareils artisanaux et des optiques improvisées offrent une vision extraordinaire d’une réalité érotisée, à la fois réelle et onirique. L’œuvre de Tichý a été présentée pour la première fois à la Biennale de Séville en 2004, puis en 2008 lors d’une exposition personnelle au Centre Pompidou à Paris.