El núcleo de la Colección de Serralves es el arte contemporáneo producido desde los años 60 hasta la actualidad. El arte producido antes de 1960 puede también ser considerado en función de su relevancia para la Colección y los artistas en ella representados. “Circa 1968”, la exposición inaugural del Museo de Arte Contemporánea de Serralves en 1999, destacó particularmente las décadas fundamentales de 1960 y 1970, periodo histórico de cambios políticos, sociales y culturales a nível global que asistió a la emergencia de nuevos paradigmas del hacer artístico y al nacimiento de la era postmoderna.
Cumpliendo su programa de búsqueda y desarrollo permanente, la Colección de Serralves pretende distinguirse por una marcada atención a la creación del siglo XXI, en concreto a la relación de las artes visuales como la performance, la arquitectura y la contemporaneidad en el ámbito de un presente postcolonial y globalizado. Aunque repercutiendo el arte y las ideas de nuestro pasado reciente, la Colección tiene como objetivo reflexionar sobre el modo como el arte de hoy también antecipa su futuro.
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Helena Almeida
Helena Almeida (Lisboa, 1934 – Sintra, 2018) terminó la carrera de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa en 1955 y expuso regularmente desde finales de la década de 1960. Su primera exposición individual fue en 1967, en la Galería Buchholz, en Lisboa.
A lo largo de toda su carrera, Helena Almeida cuestionó los medios artísticos tradicionales, en particular la pintura, disciplina a partir de la cual exploró otras disciplinas, como el dibujo, la performance, el vídeo y la fotografía. En sus trabajos iniciales la artista reflexiona sobre la materialidad y los límites del espacio pictórico, trabajando la tela de forma no convencional, como, por ejemplo, pintando en su verso o añadiendole objetos de lo cotidiano. En la secuencia de estas obras iniciales, la artista encontró en la fotografía el medio ideal para explorar la tensión existente entre su obra y su cuerpo, tema sempre presente en su pensamiento artístico, para lo que recorrió a la autorrepresentación por que se volvió conocida nacional e internacionalmente.
Helena Almeida representó a Portugal en las Bienales de São Paulo (1979), Venecia (1982 y 2004) y Sidney (2004) y tuvo importantes exposiciones individuales en Portugal y en el extranjero.
Alberto Carneiro
Alberto Carneiro (Mamede do Coronado, Trofa, 1937 – Porto,2017) estudió, entre 1947 y 1958, las tecnologías de la madera, de la piedra y del marfil en los talleres de arte religioso de su tierra, experiencia inicial que marcó su trabajo artístico posterior. Entre 1961 y 1967 estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Porto y, de 1968 a 1970, estudió en la St Martin’s School of Art, en Londres, donde contactó diretamente com las corrientes artísticas emergentes, como el arte conceptual y el land art, que tuvieron gran influencia en su trabajo.
Alberto Carneiro está considerado un pionero del arte conceptual en Portugal y a lo largo de toda su carrera desarrolló una singular relación entre arte y naturaleza. El recurso a los materiales naturales en bruto, el uso de la fotografía como mediador de la relación del sujeto con la naturaleza y la propuesta antropológica y estética al paisaje natural son algunos de los medios a través de los cuales Carneiro contribuyó a la renovación de la escultura portuguesa realizada a partir da segunda mitad de los años 1960.
Su obra fue expuesta en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Portugal y en otros países europeos, habiendo representado a Portugal en las Bienales de París (1969), Venecia (1976) y São Paulo (1977). En el Parque de Serralves está instalada de forma permanente la obra Ser Árvore y Arte, 2000–02, concebida especificamente para allí por el artista.
Leonor Antunes
Leonor Antunes (Lisboa, 1972) se licenció en Artes Visuales – Escultura, en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa en 1998 y vive en Berlin desde 2005. Leonor Antunes explora las relaciones entre escultura, arquitectura, diseño y artes decorativas. Investigadora interessada en algunos los edifícios más icónicos del siglo XX, la artista se apropia de elementos formales recogidos en el ámbito de su investigación, dándoles nuevos contextos para cuestionar el modo como miramos hacia la modernidad y su recepción crítica. La medida, la escala, la proporción y el caráter dúctil de los materiales, como el cuero, la goma y varios metales, son elementos fundamentales en el trabajo de la artista, que crea así espacios de tensión entre la producción en serie y la manufactura.
Leonor Antunes representó a Portugal en la 58ª Bienal de Venecia, en 2019. Su obra ha sido ampliamente mostrada, tanto nacional como internacionalmente.
António Barros
António Barros (Funchal, 1953) estudió en la Universidad de Coimbra y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Durante las décadas de 1970 y 1980 organizó diversas exposiciones, encuentros y ciclos de performance en el Círculo de Bellas-Artes de Coimbra.
La obra de António Barros está fuertemente ligada a la poesía visual y experimental. En 1980 participó en la exposición “Po-Ex”, en la entones Galería Nacional de Arte Moderna en Lisboa y, en 1984, colaboró en la publicación de Poemografias: Perspectivas da Poesia Visual Portuguesa, que estuvo en el origen de la 1ª Bienal de Poesía Visual, que tuvo lugar en México, en 1985. Al tratamiento plástico del lenguaje, Barros alía la exploración poética y metafórica de los objetos, creando poemas-objeto con fuerte sentido crítico, ironía e irreverencia. António Barros fue uno de los artistas representados en la exposición “PO-EX”, organizada y presentada en el Museo de Serralves en 1999.
René Bertholo
René Bertholo (Alhandra, 1935 – Vila Nova de Cacela, 2005) estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa entre 1951 y 1957. Desde temprano, todavía estudiante en la ESBAL, fue un crítico activo de la enseñanza artística en Portugal marcada por el conservadurismo y ausencia de libertad. En 1957, dejó Portugal en dirección a Munich y un año después se trasladó a París, donde inició la publicación de la revista KWY con Lourdes Castro, Costa Pinheiro y Gonçalo Duarte que habían seguido un camino idéntico y al que se unirán más tarde João Vieira, José Escada, Jan Voss y Christo. Bertholo comenzó pintando telas con fuerte contenido onírico e inspiración pop, a la que le seguirán una serie de objetos motorizados, de gran simplicidad formal, representando arquetipos de paisajes en una alusión a las imágenes propias de la publicidad turística. A mediados de los años 1970 regresó a la pintura.
René Bertholo integró la representación portuguesa en las Bienales de São Paulo (1959) y de Paris (1962). Hasta final de la década de 1970, cuando volvió a Portugal, participó en varias exposiciones en países europeos. En 2000, el Museo de Serralves presentó una exposición antológica de su obra.
Carlos Bunga
Carlos Bunga (Porto, 1976) estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Caldas da Rainha y actualmente vive en Barcelona. Bunga trabaja en la intersección de áreas como la pintura, la escultura, la fotografía, la performance o el video y desarrolla com frecuencia proyectos site-specific efímeros, para los que utiliza materiales pobres, como el cartón y la cinta adhesiva para embalajes. En contraste con la simplicidad de los materiales, su trabajo se basa en una consistente y sensíble propuesta poética y conceptual de temas como la memoria, la relación con la arquitectura, la fragilidad de la vida urbana, la demografía, la emigración y las cuestiones sociales.
Carlos Bunga ha desarrollado una relevante carrera nacional e internacional, exponiendo en instituiciones de prestigio, tanto en Europa como en Estados Unidos, Canadá y América Latina.
Cabrita
Pedro Cabrita Reis (Lisboa, 1956) estudió la carrera de pintura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y tuvo sus primeras exposicions individuales en la Galería Diferença y en la Sociedade Nacional de Belas-Artes, en 1981.
En una extensa y poética reflexión sobre imágenes y memoria, Pedro Cabrita Reis utilizó, desde la década de 1980, una gran variedad de medios como el dibujo, la pintura, la escultura, fotografía y la instalación, siendo este último particularmente adecuado a la concretización de la atención que han dedicado a las cuestiones de la ocupación del espacio. La pintura, sin embargo, nunca dejó de estar presente en su trabajo, materializada por vía de técnicas más o menos convencionales. Su propuesta a la obra de arte es un medio para el desarrollo de conceptos especulativos, antropológicos, históricos y filosóficos, que frecuentemente resultan en creaciones de cariz metafórico. Cabrita recurre a una gama diversificada de técnicas y de materiales simples, como por ejemplo madera, vidrio, yeso, piedra, acrílico, tejido, así como objetos desechados y cotidianos.
Cabrita tiene una destacada carrera internacional y su trabajo ha sido ampliamente presentado en Portugal y en todo el mundo. Participó en numerosas e importantes exposiciones internacionales, como en la “documenta” 9 de Kassel (1997), en la 24.ª Bienal de São Paulo (1998) y en la Bienal de Venecia de 2003.
Lourdes Castro
Lourdes Castro (Funchal, 1930 – 2022) estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa entre 1950 y 1956. En 1957, después de pasar por Munich, se instala en Paris con René Bertholo, con quien funda la revista KWY (1958–63) de la que hiceron parte Christo, Jan Voss, José Escada, João Vieira, Costa Pinheiro y Gonçalo Duarte.
Después de un corto período, en los primeros años parisinos, aún dedicado a la pintura abstrata, Lourdes Castro comienza a producir los primeros collages con objetos que encontraba, siguiendo el descubrimiento de aquelque sería el tema fulcral de su carrera – la sombra. En su incesante búsqeda sobre la sombra, Castro experimenta una gran variedad de materiales, soportes y técnicas – serigrafía, acrílico, pintura, bordado – comenzando por representar a las personas que la rodeaban y, más tarde, objetos, plantas y flores.
En 2000 Lourdes Castro participó en la Bienal de São Paulo y, a lo largo de su carrera, expuso en numerosas instituiciones nacionales e internacionales.